Симфонический ренессанс XXI века

В последние десятилетия жизнеспособность жанра симфонии неоднократно подвергалась сомнениям. Однако появление новых симфонических опусов с обозначением жанра или без него, но обладающих необходимой степенью концептуальности, подтверждает не только сохранение жанра, но и его развитие. В программу второго симфонического концерта-презентации издательства «Шостаковичи и Стравинские» вошли симфонические опусы композиторов – членов Союза композиторов России, Евразии и Белоруссии Рауля Атабекова, Антона Танонова, Дмитрия Бородаева, Владимира Шергова и Игоря Комара. Их произведения исполнил Симфонический оркестр РХТУ им. Д.И. Менделеева Mendeleev Filarmonica под управлением Евгения Рубцова.

Симфонический оркестр РХТУ им. Д.И. Менделеева Mendeleev Filarmonica под управлением Евгения Рубцова

Открыла концерт мировая премьера симфонии «Памяти павших» (прозвучала третья часть «Победный марш») Рауля Атабекова. Он родился в Тбилиси в 1937 году, где получил музыкальное образование, окончив музыкальную школу, училище и консерваторию. В 1987 году переехал в Москву. С 1988 года по настоящее время Р. Атабеков преподаёт в ДМШ № 64, ведёт классы композиции, скрипки и ансамбля. Симфония написана композитором почти полвека назад – в 1977 году. По словам самого композитора, она посвящена павшим в Великой Отечественной войне.

«Нет в России семьи такой, где б не памятен был свой герой…». Эти строки из известной песни композитора Рафаила Хозака на слова поэта Евгения Аграновича очень точно отражают наше отношение к прошлому, без которого нет настоящего и будущего. Великая Отечественная война коснулась почти каждой семьи. Но память о войне – это прежде всего память о тех, кто сражался с врагом, о десятках миллионов погибших, о замученных в концлагерях и в плену, о тех, кто работал в тылу. Великая Отечественная война незаживающей раной и болью вошла в каждый дом. И почти в каждой семье могут рассказать свою историю. Есть такая история и в семье композитора Рауля Атабекова.

Когда началась война, Раулю было всего лишь четыре года. В его семье воевали отец и двоюродный брат, ушедший на фронт двадцатилетним юношей, а вернувшийся полностью поседевшим. Войну, несмотря на свой юный возраст, будущий композитор запомнил на всю жизнь. Его Симфония «Памяти павших» – масштабное симфоническое полотно, «героическая баллада» о стойкости и мужестве человека в небывалую годину бедствий и испытаний. Оглянувшись назад, мы всматриваемся в бесконечное прошлое, устремив взгляд вперед – обнаруживаем новую бесконечность. Что достаётся нам здесь, в настоящем? Связующим звеном между недосягаемыми по горизонтали прошлым и будущим становиться сама Жизнь – как антитеза и преодоление Смерти.

Кроме непосредственно симфоний, опирающихся на традиционный принцип выстраивания цикла, большинство симфонических опусов современных композиторов балансируют между жанром симфонии и иными жанровыми моделями, такими как симфоническая поэма, концерт, симфоническая картина, дивертисмент и другими. При более пристальном их изучении выявляется не только принцип полижанровости, но и принцип жанровой модуляции.

Ведущий концерта Дмитрий Коренченко

Композитор Антон Танонов (род. в 1977) – выпускник Санкт-Петербургской государственной консерватории им. Н.А. Римского-Корсакова и ассистентуры-стажировки по классу композиции С.М. Слонимского. По признанию А. Танонова, Сергей Михайлович Слонимский – его любимый учитель, научивший слушать и слышать музыку, воспитавший духовные ориентиры. «Благодаря ему я понял, что настоящий композитор не может иметь какой-то один цвет. Он должен быть многогранен: необходимо стараться всё время оттачивать своё мастерство, работать в самых разных стилях, жанрах и направлениях. Сергей Михайлович, как ни один другой из современных композиторов, всеобъемлющ. Его уникальное чутье, в каком бы из жанров или стилей он ни работал, никогда его не подводило».

Как и его учитель С.М. Слонимский, А. Танонов – композитор мультижанровый, выражающий себя в самых разных стилях и жанрах. В последнее время он сосредоточен на мюзикле. С 2017 года является музыкальным руководителем театра «ЛДМ. Новая сцена».

По словам А. Танонова, до сих пор его самым любимым инструментом остаётся симфонический оркестр – инструментом, к которому хочется прикоснуться снова и снова. «Дивертисмент» А. Танонова, написанный в 2024 году, посвящён Омскому симфоническому оркестру и его дирижёру Дмитрию Васильеву. Вот что рассказал сам композитор о замысле своего сочинения: «Произведение представляет собой увлекательное путешествие, с одной стороны, в мир жанров как академической музыки, так и джазовой музыки, свинга, с другой стороны – в мир эстетики XXI века, когда смешение жанров привело к тому, что авангард воспринимается как ретро, а музыка, считавшаяся традиционно развлекательной, вдруг становится абсолютно осознанной, обретая новые смыслы».

Вместе с тем, соединение линеарности, песенности – самого высокого, одухотворённого рода, с развитой симфонической формой, даёт потрясающий художественный результат, необычайно сильно воздействующий на слушателей. Линеарность в многоголосной симфонической музыке – качество голосоведения, состоящее в приоритете мелодических (линейных) связей между звуками в каждом из голосов перед гармоническими связями созвучий.

В симфонической картине «Русская весна» Дмитрия Бородаева линеарность проявляется как непрерывность развёртывания голосов, мелодикоинтонационная сопряжённость звуков, определённость мелодических линий – звуковысотных последований, суммарный профиль которых образуют главенствующие точки-звуки мелодии.

Дмитрий Бородаев (род. в 1985) – представитель молодого поколения современных композиторов, являющийся достойным продолжателем традиций русской композиторской школы, и один из ведущих гитаристов современности. Творческая деятельность музыканта ведёт отсчёт с 1995 года, когда он начал обучение игре на классической гитаре в десять лет в классе у известного гитариста, профессора Харьковского государственного университета искусств Владимира Доценко, ученика Александра Фраучи. Своё образование Дмитрий продолжил в Москве у Н.А. Ивановой-Крамской. Помимо исполнительства, музыкант обращается к композиции и дирижированию. Первые его сочинения были написаны в 1999 году. В 2009 году Д.В. Бородаев поступает на композиторский факультет Московской государственной         консерватории им. П.И. Чайковского в класс профессора В.Г. Агафонникова. Музыкант получил блестящее академическое образование как гитарист, композитор и дирижер. Ученик профессора Московской консерватории В.Г. Агафонникова, Д. Бородаев продолжает в своём творчестве линию, идущую от композиторов как петербургской, так и московской композиторской школы: от А.К. Лядова и Н.А. Римского-Корсакова – через Н.Я. Мясковского и В.Я. Шебалина – к В.Г. Агафонникову.

Композитор Дмитрий Бородаев

Симфоническая картина «Русская весна» написана Д. Бородаевым по заказу Михаила Грановского за несколько месяцев 2023 года. В ней формируется музыкальная ткань с ярко выраженными чертами национальной традиции: с этой целью композитор использует выразительные средства инструментов, не входящих в состав симфонического оркестра, – саксофона и двух баянов: «Это музыка о любви и бесконечной силе природы, о широте русской души и красоты родных просторов. О тёплом весеннем солнце и пении птиц, которые будут петь после нас ещё сотни русских вёсен», – говорит композитор о своей симфонической картине.

Произведение состоит из двух контрастных частей. Так, первая часть симфонической картины представляет собой лирическую зарисовку русской природы с серебристым звучанием колокольчика и треугольника, в которой выделяется широкая русская тема у саксофона и кларнета, подхватываемая дуэтом баянов. Последние десятилетия феномен баянной музыки всё больше осознаётся как неотъемлемая часть отечественного академического музыкального искусства. Соответственно расширяется стилевой, образный, жанровый диапазон сочинений. Начиная с периода рубежа XX – XXI вв. баян активнее соприкасается с академическим инструментарием. Создаются сочинения для разнообразных камерных составов и симфонического оркестра с участием баяна. Инструмент оказывается в русле активных образно-смысловых и тембровых поисков современных авторов. Проявляется особый интерес к нетрадиционным для баяна ансамблевым сочетаниям с деревянными духовыми, клавишными, струнно-смычковыми и ударными инструментами.

В начале второй части симфонической картины Д. Бородаева характер меняется, на crescendo вступает «угловатая» тема тромбона, фагота и низких струнных. Перед самым финалом же темы соединяются, оркестровое tutti завершает симфоническую картину, подчеркивая жизнеутверждающее настроение всего произведения. В данном контексте сам образ «русской весны», как образ настроения радости, ликования, пиршества природы, осмысления весны как времени воскресения жизни и торжества света, обнаруживает архетипическую связь с темой сотворения мира, провоцирующую творческую активность мироздания: весной Вселенная как бы творится заново.

Владимир Шергов (род. в 1988) в городе Кемерово в семье композиторов Марины Аристовой и Виктора Шергова. Начал заниматься музыкой в шесть лет, когда родители обнаружили, что сын «свободно стал подбирать на слух аккомпанемент под мелодию». Тогда, было решено отдать Володю в музыкальную школу. В одном здании находились музыкальная и образовательная школы и музыкальное училище. Здесь Владимир получил начальные профессиональные музыкальные навыки, а фортепиано стало его любимым инструментом. Во время двенадцатилетней учебы он пробовал иногда писать музыку, а примерно с восемнадцатилетнего возраста довольно активно стал заниматься композицией.

В 2007 году Владимир поступил в Новосибирскую государственную консерваторию им. М.И. Глинки, где проучился два года у профессора Ю.И. Шибанова. Затем поступил в Московскую государственную консерваторию им. П.И. Чайковского, которую закончил в 2014 году в классе профессора Ю.С. Каспарова.

Размышляя о современной музыке и собственном композиторском творчестве Владимир Шергов, в том числе, отмечает: «Найти свой стиль в третьем тысячелетии очень сложно. Но пытаться стоит, тем более если для этого есть композиторское ремесло и творческий потенциал. Что касается моего нынешнего стиля, то последние три года я пишу музыку преимущественно традиционной, «неофольклорной линии», а именно – применяю музыкальные цитаты фольклорных песен (на что повлияли несколько моих фольклорных экспедиций во главе с В.М. Щуровым), обрабатывая их в современной звуковысотной интерпретации».

Творчество композитора Владимира Шергова широкоохватно. Будучи студентом Московской консерватории, Владимир сочинял музыку практически во всех видах авангардной техники (алеаторика, сонорика, серийная композиция и других), любил экспериментировать с электроникой. Но, в итоге, его выбор пал на оркестровую и симфоническую музыку.

Симфоническая картина «Солнечное Злато» (2014) – дипломная работа В. Шергова по окончании Московской консерватории. Её премьера состоялась десять лет назад в Большом зале консерватории в исполнении симфонического оркестра Военного Университета Министерства обороны РФ (дирижёр – Р. Белышев). Солнечное Злато (или Солнечный Свет) – один из древнейших образов Непостижимого Божества, доступных человечеству Земли Поднебесной, в частности русинам (русским людям) Киевщины, представителям украинского народа, казакам-украинцам и христианам-степнякам Поднепровья. Здесь следует также вспомнить поэта-символиста А. Белого, считавшего, что для понимания Изначальной и Непреходящей Мудрости, крупицы которой сохраняются в мироздании и в языке, необходимо некое Единое Учение – «мифология мифологий». Для него эта метамифология заключалась в звуке, в смысле звучности. Закономерно и то, что она становится своеобразным «апокалипсисом звука» – откровением «смысла звучности».

Через эзотерику «Солнечного Злата» В. Шергов, через откровение «смысла звучности» выявляет, таким образом, в своей симфонической картине метафизическое единство древних мифологий и, соответственно, человечества. Их пронизывает Солнечный Дух, являющийся в то же время Ипостасью Христа.

Композитор Владимир Шергов

В заключение концерта-презентации прозвучал Концерт-поэма для фортепиано с оркестром «Сердце и Время» белорусского композитора Игоря Комара (солистка – София Круглова). Выпускник Белорусской государственной академии музыки по классу композиции профессора Г.К. Гореловой и ассистентуры-стажировки Латвийской академии музыки им. Я. Витола (класс доцента Я. Петрашкевича), И. Комар в настоящее время является преподавателем кафедры композиции, деканом факультета повышения квалификации и переподготовки Белорусской государственной академии музыки, Членом Союза композиторов Республики Беларусь.

Музыка – тот вид искусства, который теснее всего связан со Временем, так как сама сущность его – в движении. В движении заключена сущность самой жизни, представляющей собой череду непрерывных и вытекающих друг из друга явлений. Понятие бытия подразумевает движение как динамический процесс, сочетающий в себе неизменность и вечное преображение. Вечность бытия, его несотворённость и устремлённость в будущее обеспечиваются постоянными, незаметными его изменениями.

Загадочность феномена Времени заставляла задумываться и музыкантов. Интересны в этом отношении рассуждения И. Стравинского, композитора, который весьма остро ощущал динамику Времени. «Музыка – единственная область, в которой человек реализует свое настоящее, – писал он, – несовершенство природы его таково, что он обречен испытывать на себе текучесть Времени, воспринимая его в категориях прошедшего и будущего и не будучи никогда в состоянии ощутить его как нечто реальное, а следовательно, и устойчивое, настоящее». Размышляя над ролью музыки в постижении феномена Времени, композитор утверждает далее: «Феномен музыки дан нам единственно для того, чтобы внести порядок во всё существующее, включая сюда, прежде всего, отношения между Человеком и Временем».

Композитор София Круглова и дирижер Евгений Рубцов

«Шостаковичи и Стравинские» – музыкальное издательство и просветительский проект, направленный как на поддержку известных мастеров, классиков современной академической музыки, так и на открытие новых композиторских имён. Проект реализуется Союзом композиторов Евразии при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, ведущих образовательных музыкальных заведений России, информационных агентств и порталов. Идейным вдохновителем, руководителем проекта и главой издательства «Шостаковичи и Стравинские» является Алина Небыкова – композитор, продюсер, председатель Совета СКЕ. В своём интервью Алина, в частности, отметила: «Наша композиторская школа – самая сильная в мире. Ни в одной стране нет такого глубинного подхода к изучению музыкальной композиции. Композитор традиционной русской композиторской школы – и мыслитель, и философ, и психолог, правдиво и глубоко раскрывающий замысел произведений, переживания и внутренний мир героев произведений. Поэтому наши композиторы и их музыка в такой цене во всём мире». Что и подтвердил прошедший в рамках Международной выставки-форума «Россия» симфонический концерт-презентация издательства «Шостаковичи и Стравинские».

Глава издательства «Шостаковичи и Стравинские» Алина Небыкова и дирижер Евгений Рубцов

Глава издательства «Шостаковичи и Стравинские» Алина Небыкова и Президент Союза композиторов Евразии Андрей Батурин

Главная уличная сцена ВДНХ, выставка-форум «Россия»

Главная уличная сцена ВДНХ, выставка-форум «Россия»

А наш выдающийся современник, недавно ушедший из жизни композитор Сергей Слонимский в одном из своих интервью прозорливо заметил: «Мне кажется, что суть симфонии заключается в том, что это музыкальный дневник человека о нашем времени… Нужно стремиться к античной широте, которая была в древнегреческой и древневосточной музыке: должна быть предельная широта абсолютно всей музыкальной речи. Только так можно добиться нового качества в ХХI веке. Это новый ренессанс, я это так вижу». И эти слова в полной мере относятся к «симфоническим исканиям» композиторов XXI века.